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Sobre Le grand chariot, lo último de Philippe Garrel

Año: 2023
Origen: Francia, Suiza
Dirección: Philippe Garrel
Guion: Jean-Claude Carrière, Arlette Langmann, Philippe Garrel, Caroline Deruas Peano
Intérpretes: Louis Garrel, Damien Mongin, Esther Garrel, Lena Garrel, Francine Bergé, Aurélien Recoing
Fotografía: Renato Berta
Música: Jean-Louis Aubert
Duración: 95 minutos

por Aníbal Perotti

Philippe Garrel conserva una autenticidad inalterable para abordar sus temas recurrentes: los vaivenes sentimentales, la soledad, la tentación suicida y la dificultad de la transmisión entre generaciones. La emoción surge de la extraordinaria atención puesta en los pequeños gestos: una circunstancia, un rostro, una emoción. Algo verdadero se descubre, se susurra y establece una relación inédita con la propia intimidad. En una escena breve y simple al comienzo de la película, luego de algunas miradas de complicidad, Peter solo tiene que quitar delicadamente el pañuelo del cabello de Laure para que aflore el romance. Más adelante, el primer plano del rostro de Hélène ilumina su sonrisa cuando recibe una llamada de Louis y es capaz de conmovernos con un sutil parpadeo. La película está organizada en torno a estos momentos maravillosos que el cineasta filma como un movimiento natural, con una discreción elegante y una intensidad secreta.

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El exorcista: Creyentes (The Exorcist: Believer)

Año: 2023
Origen: Estados Unidos
Dirección: David Gordon Green
Guion: David Gordon Green, Peter Sattler
Intérpretes: Ellen Burstyn, Leslie Odom Jr., Ann Dowd, Jennifer Nettles
Música: Amman Abbasi, David Wingo
Fotografía: Michael Simmonds
Duración: 111 minutos

por Diego Maté

Todo el mundo habló mal de El exorcista: Creyentes, y parece justo: la película no es buena sin ser mala, vive en el limbo del cine donde van a dar las cosas que no fueron. David Gordon Green es un director prolífico, anfibio, ansioso, tosco, con un buen ojo (uno, al menos) para filmar planos con gente que se mueve o con un espanto que salpica desde el fondo, pero acá el hombre está atado de manos, perdido, no sabe cómo empezar o cerrar una escena, cómo hacer para que el destino de los personajes importe algo, cómo darle carnadura a los espacios. Hay ideas sueltas, golpes, arranques, sí, pero eso no es el cine sino apenas el oficio de un tipo que filma casi al ritmo de Woody Allen, una gimnasia para maniobrar el off (a veces) o para trabajar el miedo en plano, sin cortes, solo con los personajes yendo y viniendo entre el baño y el pasillo (una sola vez). Green pudo filmar tres, ¡tres!, secuelas de Halloween, que eran mucho mejores que las películas que le siguieron a la de Carpenter, pero no pudo ni comenzar una nueva película de El exorcista (confirmamos que las dos que le siguieron a la de Friedkin no estaban tan mal como se creía o como vociferaron los fans). Hay dos mundos narrativos y estéticos ahí, uno abierto, disponible, apropiable, y el otro hermético, vedado, resistente. Existe una explicación posible para el problema que tal vez exceda a Green y a los pecados (o su ausencia) de la película.

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El sol del futuro (Il sol dell’avvenire)

Año: 2023
Origen: Italia
Dirección: Nanni Moretti
Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella
Intérpretes: Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Mathieu Amalric.
Edición: Clelio Benevento
Música: Franco Piersanti
Fotografía: Michele D’Attanasio
Duración: 95 minutos

por Aníbal Perotti

“Todo arte es autobiográfico. La perla es la autobiografía de la ostra”, Federico Fellini

Nanni Moretti ha envejecido: su pelo desgreñado se tiñó con canas, su andar se volvió desgarbado, el habla más pausada y sus ojos ligeramente vidriosos. Pero su cine continúa en buena forma: a más de veinticinco años de Aprile, su última comedia en primera persona, el genial cineasta entrega un resumen festivo de su filmografía con la libertad, coherencia y honestidad de siempre. El propio Moretti encarna a Giovanni, director de una película sobre la vida cotidiana de algunos miembros del Partido Comunista Italiano en 1956 que debe lidiar con los habituales problemas en el set de filmación y con las dificultades domésticas: su esposa lo abandona y, peor aún, produce el thriller de un joven director de moda. En El sol del futuro nos reencontramos con el Giovanni Moretti obsesionado por una moral cinematográfica y política, que combina de un modo único lo personal, lo cotidiano y lo social. Su última película es el autorretrato de un cineasta exigente, humanista, depresivo y un poco loco: tan caprichoso como conmovedor.  

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Sobre Christian Petzold

Mañana se estrena en salas Cielo rojo, lo nuevo de Christian Petzold, y aprovechamos para compartir con ustedes el dossier que le dedicamos hace un tiempo: son diez notas sobre todos sus largos desde La seguridad interior, su primera película:

https://cinemarama.wordpress.com/tag/dossier-petzold/

Además, acá pueden leer lo que escribimos sobre Cielo rojo:

Cielo rojo (Roter Himmel – Afire)

Año: 2023
Origen: Alemania
Dirección: Christian Petzold
Guion: Christian Petzold
Intérpretes: Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs
Edición: Bettina Böhler
Fotografía: Hans Fromm
Duración: 102 minutos

por Aníbal Perotti

La coleccionista. Las películas de Christian Petzold están habitadas por personajes en fuga animados por el deseo de estar en otro lugar y prisioneros de su pasado. La mayor parte de su cine resulta inseparable de un país profundamente marcado por su historia y su geografía. En Cielo rojo, el cineasta de la Escuela de Berlín pone en suspenso los motivos trágicos para volcarse sorprendentemente a una comedia de verano con aires rohmerianos. León y Félix deciden aislarse en una casa familiar en lo profundo del bosque cerca del mar Báltico para ultimar sus respectivos proyectos. León pretende completar el manuscrito de su libro mientras que Félix debe diseñar un portfolio para ingresar a una escuela de arte. La aparente tranquilidad se ve conmovida rápidamente por la presencia enigmática de Nadja: una misteriosa habitante de la casa que deja a los dos jóvenes perturbados por su intimidad invasiva. La cámara capta la ambigüedad de los sentimientos, las contradicciones amorosas y los deseos involuntarios, poniendo atención a los pequeños gestos. Con la llegada de un cuarto personaje, el bañero de una playa vecina, la puesta en escena se organiza por el fluido intercambio de miradas y una ligereza novedosa en el cine de Petzold domina la primera parte de la película. Cuando los incendios forestales a los que alude el título toman protagonismo, en medio de una inquietante zona de incertidumbre, abismo y destrucción, los límites entre el realismo y el espacio del ensueño se desdibujan enriqueciendo la historia con varias capas de significado.

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Misión Imposible: Sentencia Mortal – Parte 1 (Mission: Impossible – Dead Reckoning – Part One)

Año: 2023
Origen: Estados Unidos
Dirección: Christopher McQuarrie
Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen
Intérpretes: Tom Cruise, Hayley Atwell, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Ving Rhames
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Fraser Taggart
Duración: 163 minutos

por Diego Maté

Y la vida continúa. Repare usted en esta premisa narrativa (y no hablemos guion, ya que en el cine nunca se nos ofrece nada parecido a eso sino otra cosa, un amasijo de imágenes y sonidos, felizmente difuso y centrípeto, en el que parece difícil que sobrevivan restos de esa estructura previa, salvo para quienes estudian el tema y se abstraen de lo que se ve o para los críticos con ánimos de script-doctors): unos agentes de inteligencia deben hacerse con la mitad de un objeto misterioso para completar la parte que ya tienen, pero incluso si llegaran a obtenerla, ignoran si esa otra mitad es auténtica ni qué abriría (es una llave). Como no se sabe, el plan supone entregar la mitad que se tiene a un tercero (simulando una venta) para luego seguirlo y descubrir qué clase de pandemonium cierra (o abre) la bendita llave. Para entregar la otra mitad de la llave, entonces, los protagonistas tienen que encontrar a un vendedor que lleva encima la suya, pero justo antes de que puedan interceptarlo, una mujer roba el aparato sin que el hombre lo note. Ahora los agentes tienen un nuevo problema: alcanzar a la mujer y convencerla para que devuelva el artefacto que acaba de robar sin que el poseedor se dé cuenta (una vez más): un robo invertido. El asunto, previsiblemente, sale mal, y a ese conflicto hay que sumarle: 1) la presencia de un grupo de inteligencia que persigue a nuestros agentes, 2) la aparición de un villano evanescente y 3) una valija que contiene una bomba nuclear que se desactiva respondiendo preguntas personales y resolviendo adivinanzas. Si lo desea, usted puede hacer omiso de todo lo último y retener solamente la llave y el circuito enloquecido de intercambios que inaugura.

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MUBI – Marx puede esperar (Marx può aspettare)

Año: 2021
Origen: Italia
Dirección: Marco Bellocchio
Guion: Marco Bellocchio
Fotografía: Michele Cherchi Palmieri, Paolo Ferrari
Música: Ezio Bosso
Duración: 96 minutos

por Aníbal Perotti

La extraordinaria filmografía de Marco Bellocchio está compuesta por películas elegantes y complejas pero a su vez impulsadas por una mirada salvaje sobre las instituciones. Marx puede esperar es un documental de carácter intimista que reconstruye el retrato de su familia y pone a prueba sus convicciones. El cineasta aborda el suicidio de su hermano gemelo a los veintinueve años y reflexiona, de una forma necesariamente más humana y personal, sobre la familia y la muerte, temas que siempre han tenido una presencia abrumadora en su cine. En este sentido, podemos pensar que la película continúa e ilumina su genial opera prima I pugni in tasca o Gli occhi, la boca (que incluye la frase del título en sus diálogos), pero de un modo aún más directo: mediante conversaciones minuciosas, crudas y profundas con familiares, en especial con sus cuatro hermanos vivos. Los diálogos contienen un material inagotable que el cineasta puntúa con archivos, fotografías, textos e imágenes en movimiento para hacernos conocer a los otros: aquellos que no han filmado su vida. La simple descripción de cómo su madre y sus hermanos encontraron el cadáver resulta más escalofriante que cualquiera de sus ficciones.

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Errante. La conquista del hogar

Año: 2022
Origen: Argentina
Dirección: Adriana Lestido
Guion: Adriana Lestido
Fotografía: Adriana Lestido
Duración: 77 minutos

por Diego Maté

Errante es un documental filmado por una fotógrafa que viajó sola al Círculo Polar Artíco y se dedicó a registrar el paisaje del lugar. La premisa de la primera película de Adriana Lestido parece querer apropiarse de la carga afectiva del motivo del wanderer que el Romanticismo, en especial el alemán, fijó como un arquetipo cultural. Lestido se interna sin equipo ni acompañantes en un territorio hostil donde la existencia se cifra en distintas estrategias de supervivencia y busca allí imágenes que recuerdan a su oficio: los planos, siempre fijos, encapsulan fragmentos del entorno pero sin renunciar a capturar las distintas formas de movimiento propias del lugar. Errante puede ser vista, entonces, como el descubrimiento alucinado que una fotógrafa hace del dinamismo del cine. 

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Blondi

Año: 2023
Origen: Argentina, Estados Unidos, España
Dirección: Dolores Fonzi
Guion: Dolorez Fonzi, Laura Paredes
Intérpretes: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito, Leonardo Sbaraglia
Música: Pedro Osuna
Fotografía: Javier Juliá
Duración: 87 minutos

por Andrés Brandariz

Posiblemente el de Blondiopera prima de Dolores Fonzi como realizadora, sea el estreno mundial de más alto perfil de este 24 BAFICI: no sólo por los rutilantes nombres delante y detrás de cámara, sino porque se trata de otro exponente de la creciente «internacionalización» de las producciones locales. En la secuencia inicial, Blondi (Fonzi) se levanta temprano para trabajar, abandonando la cama donde duerme junto a su hijo Mirko (Toto Rovito), se sube a su añejo Renault 18, prende un porro de tamaño considerable y pone música. Del equipo surge la melodía de “Sunday Morning”, la icónica apertura de The Velvet Underground & Nico.

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La sudestada

Año: 2023
Origen: Argentina
Dirección: Daniel Casabe, Edgardo Dieleke
Guion: Daniel Casabe, Edgardo Dieleke, Agustina Liendo, Martín Mauregui, Juan Sáenz Valiente
Intérpretes: Katja Alemann, Juan Carrasco, Edgardo Castro, Javier Bacchetta
Música: Leonardo Martinelli
Fotografía: Leonardo Hermo
Duración: 87 minutos

por Elena Marina D’Aquila

La jungla del asfalto. La sudestada es una de esas películas tapadas, que pasan desapercibidas, en este caso, dentro de la Competencia Internacional del festival. Sin embargo, desde la primera escena que presenta a Villafáñez o “Sabueso”, el (anti)detective en bata mirando por la ventana de su departamento (que es un protagonista más), puede intuirse que no estamos ante una película del montón. La utilización dramática de cada ambiente del departamento es magistral, dejando grabados en la retina planos como el cenital del detective dándose un baño de inmersión, o recostado en su cama mientras las luces imposibles del exterior llenan todo el dormitorio con un naranja rabioso.

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BAFICI 2023 – Alegrías riojanas

Alegrías riojanas (España – 2022)
Competencia Vanguardia y Género

Dirección: Velasco Broca
Guion: Velasco Broca, Lucía Moreno
Intérpretes: Juan Antonio Herreruela, Ramón Churruca, Fernando Moreno

por Diego Maté

La música del azar. Los festivales, de tanto en tanto, regalan cosas como Alegrías riojanas, películas que no sabemos de dónde vienen ni cómo es que llegaron hasta nosotros, que traen noticias de otro cine posible, mejor, libre. Filmada como si hubiera sido rodada hace varias décadas (¿en los 60?), el corto de Velasco Broca cuenta una de esas historias que, por su carácter inasible, se vuelven objeto de automatismos clasificatorios, como el que consiste en colgarle el cartelito de “surrealista” a cualquier cosa que se aparte mínimamente de los mandatos de la narrativa clásica. Aunque, de todas formas, el surrealismo sea una de las fuentes de la que bebe Alegrías riojanas, una de tantas otras que remontan el cine a una tradición paralela, la de la magia, las fugas del sentido, la incomprensión (la feliz incomprensión) y el gusto por el juego con diablos, frailes, desiertos, hechizos y otros arcanos.

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Sala Leopoldo Lugones – Vitalina Varela

Vitalina Varela (Portugal – 2019)
Competencia internacional

Dirección: Pedro Costa
Guion: Pedro Costa, Vitalina Varela
Intérpretes: Vitalina Varela, Ventura

por Aníbal Perotti

Pedro Costa es un autor insoslayable del cine contemporáneo. Sus películas poseen una fuerza y una singularidad excepcionales. El cineasta vuelve a filmar la misma comunidad de la periferia de Lisboa, con los abismos insondables a su alrededor que acentúan la sensación de estar en un lugar secreto, al borde del mundo. En esta nueva película, la oscuridad de la noche tiene un espesor nunca visto. Una noche eterna, fantástica, mítica, gigantesca como un océano, que transforma al vecindario en un limbo laberíntico donde los inmigrantes deambulan aturdidos como si hubieran perdido el camino a su hogar desde hace mucho tiempo. En boca de los personajes, Cabo Verde parece tan lejano como una tierra de leyendas. Cada plano mezcla alegría y sufrimiento: un esplendor tenebroso en el que parece latir la vida, el dolor y el misterio.

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BAFICI 2023 – La sudestada

La sudestada (Argentina – 2023)
Competencia Internacional

Dirección: Daniel Casabe, Edgardo Dieleke
Guion: Daniel Casabe, Edgardo Dieleke, Agustina Liendo, Martín Mauregui, Juan Sáenz Valiente
Intérpretes: Katja Alemann, Juan Carrasco, Edgardo Castro, Javier Bacchetta,

por Elena Marina D’Aquila

La jungla del asfalto. La sudestada es una de esas películas tapadas, que pasan desapercibidas, en este caso, dentro de la Competencia Internacional del festival. Sin embargo, desde la primera escena que presenta a Villafáñez o “Sabueso”, el (anti)detective en bata mirando por la ventana de su departamento (que es un protagonista más), puede intuirse que no estamos ante una película del montón. La utilización dramática de cada ambiente del departamento es magistral, dejando grabados en la retina planos como el cenital del detective dándose un baño de inmersión, o recostado en su cama mientras las luces imposibles del exterior llenan todo el dormitorio con un naranja rabioso.

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BAFICI 2023 – Master Gardener

Master Gardener (Estados Unidos – 2022)
Trayectorias

Dirección: Paul Schrader
Guion: Paul Schrader
Intérpretes: Joel Edgerton, Quintessa Seindell, Sigourney Weaver, Esai Morales

por Andrés Brandariz

El cierre de la trilogía conceptual integrada por First Reformed (2017) y The Card Counter (2021) encuentra a Paul Schrader combinando su premisa más urticante con la resolución más amable, en un gesto que hace sospechar cierta ingenuidad impostada, pero que también puede leerse como una plegaria elevada al cielo de la ficción: un cine que -como decía Godard en la apertura de El desprecio citando a André Bazin- sustituye nuestra mirada por un mundo que se amolda a nuestros deseos.

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BAFICI 2023 – Continuum – La Playa (2)

Continuum – La Playa (Argentina – 2023)
Apertura

Dirección: Mariana Bomba
Guion: Mariana Bomba

por Diego Maté

Esta edición del Bafici tuvo bastantes más cortos que otras. Ese cambio, que no es del orden de la transformación sino del incremento (el número de cortos, creo, fue aumentando en los últimos años), generó perplejidad, y está bien: ese es el estado al que debería conducir cualquier festival del cine, a esa disposición a lo nuevo, incluso a lo resistido, sin importar qué cosa salga de ese movimiento, si agrado o molestía, celebración o rechazo. Continuum – La playa, el corto de apertura (proyectado junto con el largo Último recurso), exprime de una manera extraordinaria las restricciones del formato. 

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BAFICI 2023 – Terminal Young

Terminal Young (Argentina – 2023)
Competencia Argentina

Dirección: Lucía Seles
Guion: Lucía Seles
Intérpretes: Ignacio Sánchez Mestre, Susana Pampin, Laura Nevole, Pablo Ragoni

por Elena Marina D’Aquila

Fragments de vida. Terminal Young, mi primera incursión en el cine de Lucía Seles, retoma a los personajes de la saga iniciada con Smog en tu corazón, pero funciona perfectamente con independencia de las anteriores. El montaje es rabioso, desbordado, como los personajes de Seles, tan extraños e (in)coherentes que habitan este universo fascinante de freaks, alter egos de la propia Seles, que culminó la presentación de la primera función en el Centro Cultural San Martín haciendo la vertical. Solo eso podría resumir la sensación que produce su cine, ese impulso incontenible que pone patas para arriba el mundo como lo conocíamos hasta ese momento. Lo que sigue son ciento veintiocho minutos de una destreza singular para contar varias cosas al mismo tiempo y repetirlas de la forma más hipnótica posible. El de Seles es cine vivo, impredecible, una máquina imparable de poesía alienada, con el humor como estandarte de pequeños grandes destellos de lo inefable, una celebración de la intensidad emocional de estar vivo.

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BAFICI 2023 – Una claustrocinefilia

Una claustrocinefilia (Italia – 2022)
Competencia Internacional

Dirección: Alessandro Aniballi
Guion: Alessandro Aniballi

por Diego Maté

Te doy mis ojos. ¿Cómo sería una película filmada por un crítico de cine? No pienso en los críticos que se convirtieron en directores, películas así vimos de a montones desde la Nouvelle Vague. Tampoco en documentales más o menos celebratorios e impersonales, como el Hitchcock/Truffaut de Kent Jones. Lo que me interesa es otra cosa: ¿cómo puede hacer cine un crítico sin volverse cineasta, sin abandonar su rol de crítico, sin filmar un documental institucional? Una claustrocinefillia es un extraño prodigio: una película hecha por un crítico que no quiere hacer cine, quiere seguir escribiendo o, mejor, volver a escribir, retomar los textos suspendidos o abandonados, hablar del cine sin tener que hacerlo.

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BAFICI 2023 – Sobre el foco dedicado a Beatriz Guido

La casa del ángel, El secuestrador y La caída
Homenajes – Beatriz Guido

“Ahora servirán el café. Yo, lentamente, termino el postre, para que no llegue ese momento. Tendré que levantarme, servirlo yo misma y acercarme a él para ofrecerle esa pequeña taza de porcelana que no ha dejado de temblar en mi mano durante todos estos años”

por Aníbal Perotti

La casa del ángel marca el feliz encuentro entre la creatividad literaria de Beatriz Guido y una forma cinematográfica que luego se convertiría en marca autoral de Leopoldo Torre Nilsson. La imprescindible voz del texto en primera persona se amolda a los actores, la escenografía, la iluminación y los desplazamientos de la cámara. Los contrapicados y planos oblicuos desmesurados, las perspectivas vertiginosas, las deformaciones expresionistas, los objetos en primeros planos y los cuerpos fragmentados crean una atmósfera particular y un clima enrarecido que transmiten la angustia, la incomunicación y los prejuicios de una sociedad poblada de tabúes. Ana vive su pasaje de la niñez al despertar sexual en medio de una aristocracia decadente cuyas residencias son filmadas sin embargo de un modo fascinante, fluctuando entre distintos tiempos del pasado con un estilo verdaderamente personal. La joven, que ha sido educada de acuerdo a una moral basada en pautas religiosas exacerbadas, atraviesa la película como un fantasma atormentado, con el amor como una alucinación y con la religión como amenaza y alivio.

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BAFICI 2023 – Blondi

Blondi (Argentina, Estados Unidos, España – 2023)
Competencia Internacional

Dirección: Dolores Fonzi
Guion: Dolorez Fonzi, Laura Paredes
Intérpretes: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese, Toto Rovito, Leonardo Sbaraglia

por Andrés Brandariz

Posiblemente el de Blondi, opera prima de Dolores Fonzi como realizadora, sea el estreno mundial de más alto perfil de este 24 BAFICI: no sólo por los rutilantes nombres delante y detrás de cámara, sino porque se trata de otro exponente de la creciente «internacionalización» de las producciones locales. En la secuencia inicial, Blondi (Fonzi) se levanta temprano para trabajar, abandonando la cama donde duerme junto a su hijo Mirko (Toto Rovito), se sube a su añejo Renault 18, prende un porro de tamaño considerable y pone música. Del equipo surge la melodía de “Sunday Morning”, la icónica apertura de The Velvet Underground & Nico.

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BAFICI 2023 – Llamen a Joe

Llamen a Joe (Argentina – 2023)
Artes y Oficios

Dirección: Hernán Siseles
Guion: Hernán Siseles

por Diego Maté

Llamen a Joe es un retrato de Joe Stefanolo (pronunciado Shoe, ni Shou ni Joe), el famoso abogado de rockeros y consumidores de sustancias que desde los 70 encontraron en él a un salvador discreto, mesías de este mundo, un amigo, hermano o padre, alguien dedicado a protegerlos de los abusos y de las interpretaciones insidiosas de la ley. Joe es afable, educado, sabe de música, conoce a todos y todos lo quieren y respetan. Hay ahí una suerte de barrera extraña o de límite: ¿cómo hacer un documental con alguien tan bueno, tan noble, tan querido, que no despierta ningún tipo de rechazo, como extraer cine o fabricarlo a partir de esa figura cándida? Hernán Siseles parece ser consciente de ese problema, y por eso le da a la película una estructura episódica armada alrededor de algunos casos resonantes que le permite acercarse al mundo del rock y nutrirse de la palabra de los protagonistas y sus anécdotas. Joe, el retratado, es una llave que abre la película a otros mundos y personajes.

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BAFICI 2023 – A longa viagem do ônibus amarelo

A longa viagem do ônibus amarelo (The Long Voyage of the Yellow Bus – Brasil – 2023)
Cine sobre Cine

Dirección: Júlio Bressane, Rodrigo Lima
Guion: Júlio Bressane, Rodrigo Lima

por Aníbal Perotti

A principios de la década de setenta, Júlio Bressane, su mujer Rosa Dias y su amigo Andrea Tonacci emprendieron un viaje de seis meses entre Venecia y Katmandú a bordo de un Volkswagen descapotable usando como guía de supervivencia para el camino el cuadernillo de una agencia inglesa llamado Yellow Bus. La aventura del trío fue registrada por la cámara Super 8 de Bressane. Cincuenta años más tarde, el cineasta emprende la monumental tarea de seleccionar fragmentos visuales y sonoros de todas sus filmaciones, incluyendo algunas caseras, desconocidas o secretas como la de aquel viaje que le da el nombre a esta película maravillosa. Desde su primer cortometraje, Tempo perdido, filmado durante un viaje a Nueva York en 1959, hasta el más reciente e inédito Capitu e o capitulo. Junto a Rodrigo Lima, Bressane busca la esencia del cine mediante un montaje formal fascinante de temas, gestos y sonidos, sin necesidad de un hilo conductor ni una voz en off. A longa viagem do ônibus amarelo es una película experimental, un salto al vacío, su propia Historia del cine.

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BAFICI 2023 – Feliz Navidad

Feliz Navidad (Argentina – 2023)
Competencia Argentina

Dirección: Jennifer Moule
Guion: Jennifer Moule
Intérpretes: Frida Jazmín Vigliecca, Micaela Lilintal, Martín Froiz

por Diego Maté

El filósofo Didi-Huberman dice que las cosas que miramos levantan a su vez la vista: que lo que vemos nos mira. Sucede que Feliz Navidad, el corto de Jennifer Moule, nos mira, y lo hace con una mezcla de sorpresa e incredulidad, casi de estupor, como si los raros fuéramos nosotros y no las estrafalarias parejas con caretas (¿pero no son caras?) que se reúnen, bailan, intercambian regalos o van a la cama con movimientos mecánicos y espasmódicos, como unos autómatas maltrechos que continúan ejecutando mecánicamente alguna vieja directiva. 

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BAFICI 2023 – Continuum – La Playa

Continuum – La Playa (Argentina – 2023)
Apertura

Dirección: Mariana Bomba
Guion: Mariana Bomba

por Andrés Brandariz

Continuum – La Playa se presentó mundialmente en la función inaugural del BAFICI en conjunto con Último recurso, de Matías Szulanski. Si bien se trata, en términos de extensión, de un cortometraje, su estructura parece plantearse como la antesala de un proyecto de escala mayor, en tanto establece un punto de partida y una batería de recursos formales pero no propone un cierre, sino que deja la ventana abierta a un mundo al cual, espero, nos permita regresar.

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BAFICI 2023 – An Archipelago

An Archipelago (Francia – 2011)
Clément Cogitore

Dirección: Clément Cogitore
Guion: Clément Cogitore

por Aníbal Perotti

La reutilización de archivos en proyectos cinematográficos singulares da lugar a un entrelazamiento particularmente sensible entre lo poético y lo político. Las imágenes del pasado conservan su impronta para iluminar el presente: el 22 de octubre de 2010 un submarino nuclear británico encalla sorpresivamente en las costas de una isla de Escocia. Con esta noticia que parece una historia de aventuras teñida de misticismo, Clément Cogitore construye un potente corto experimental con imágenes encontradas en Internet, fotos y videos, montados como flashes violentos que parecen restos dispersos, incomprensibles y distantes del evento. Las imágenes fragmentarias e indescifrables se funden con sonidos crudos que convocan un oscuro imaginario fantástico: el submarino como una bestia intimidante que parece haberse tragado a la tripulación.

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BAFICI 2023 – Untold Hours

Untold Hours (Canadá, Portugal – 2022)
Artes y Oficios

Dirección: Daniel Warth
Guion: Daniel Warth

por Diego Maté

Los documentales sobre artistas exhiben las dudas y los tanteos del retratado, a veces con una seguridad casi administrativa que lleva a preguntarse por la autenticidad de una incertidumbre que parece irremediablemente sobreactuada, una concesión de rigor a lo que el biempensantismo indica que debe ser el trabajo artístico. Untold Hours modifica ese lugar común alternando visiblemente los roles: el espectador nunca sospecha qué cosa planea la canadiense Alicia Nauta. La artista prepara una mamadera, se prueba prendas infantiles o se saca fotos con un filtro que la hace parecer anciana. La secuencia termina arrojando pistas inescrutables y contradictorias que el director Daniel Warth escande con la mano hábil de un mago impiadoso.

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BAFICI 2023 – The Evil Eye

The Evil Eye (Francia – 2018)
Clément Cogitore

Dirección: Clément Cogitore
Guion: Clément Cogitore

por Aníbal Perotti

La obra de Clément Cogitore se arraiga en el cine y en otros dispositivos propios del arte contemporáneo, poniendo en cuestión tanto el estatuto de la imagen como las estructuras narrativas. Su universo está marcado por la recurrencia de ciertos temas: la percepción de una realidad atravesada por cierta irracionalidad, la persistencia de patrones arcaicos, la tecnología como reemplazo de la hechicería. The Evil Eye está realizada íntegramente a partir de bancos de imágenes destinadas a diversos fines publicitarios y televisivos. Las escenas anónimas se suceden como una suma de posturas estereotipadas y gestos genéricos adaptables a voluntad en decorados añadidos en posproducción, mientras en la parte inferior de la pantalla aparecen los números de referencia como códigos de barras.

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BAFICI 2023 – Recomendaciones del programador David Obarrio

por David Obarrio

Un festival de cine es un laberinto. Un festival de cine debe presentarse como un enigma, un laberinto, un misterio cuya resolución está siempre en el futuro. El Bafici ha sabido concentrar la felicidad de la minucia, las imágenes secretas que se estremecen en los rincones de la programación; esas formas que bailan, que tienen modales e inclinaciones para las que no hemos sido preparados del todo. Eso fue siempre, o debió serlo, el Bafici, nuestro festival de cine preferido. El que nos depara placeres impensables, aun a costa de una opacidad que, en el fondo, no es otra cosa que una cierta densidad de carácter un poco aristocrática, que no está dispuesta a ceder ante los cantos de sirena de los nombres propios agobiantes, los que circulan con todas su prerrogativas por los festivales del mundo y fomentan la molicie de lo repetido, lo mustio, lo vetusto con otra denominación y un ropaje al que se le notan, si se lo mira bien, las fallas en la sisa. Veo el Bafici que se avecina como una nueva oportunidad para un festival que debe recorrerse palmo a palmo, con espectadores jugando como niños –es decir muy seriamente-, abandonándose a eso que antes se llamaba una “experiencia cinematográfica”. El encuentro con lo que vale la pena por su rareza, por su naturaleza de excepción, por su indocilidad a un régimen que convierte el cine en una panoplia de procedimientos que no pertenecen sino a la burocracia del cine, a la melancolía de su aprovechamiento espurio por parte de mercachifles y agendas tenebrosas.

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La reina desnuda

Año: 2022
Origen: Argentina
Dirección: José Celestino Campusano
Guion: José Celestino Campusano
Intérpretes: Natalia Page, Dolores Moriondo, Alek Molnar, Joaquín Colombo
Música: Claudio Miño
Fotografía: Gabriela Diaz Galan
Duración: 89 minutos

por David Obarrio

Una chica cualquiera. Una película de José Celestino Campusano no es cualquier cosa, del mismo modo que no lo son las películas cuya singularidad y naturaleza insumisa las vuelve refractarias al sistema del cine imperante en festivales, en el que sobre cada imagen muchas veces parece velar un fantasma de corrección general, burocracia de la forma y restricción del espíritu verdadero del cine. La reina desnuda es una de esas películas: se trata de una película de Campusano, por lo tanto, hay que verla como una pieza en esa obstinada cadena de momentos impenitentes en los que el cine parece surgir de nuevo, con la ferocidad de una criatura exótica, para que miremos todo con otros ojos, para que la pantalla sea un lienzo en el que bailan satanes persistentes y ángeles prosaicos, todos en la misma pista entreverados, con la gracia y la desvergüenza de un arte que no ha sido concebido para dejarnos tranquilos sino para que temblemos un poco; para sumergirnos en caminos brumosos que son también los nuestros.

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Alcarràs

Año: 2022
Origen: España, Italia
Dirección: Carla Simón
Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró
Intérpretes: Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch
Música: Andrea Koch
Fotografía: Daniela Cajías
Duración: 120 minutos

por Andrés Brandariz

En su segundo largometraje como realizadora, Carla Simón regresa a un escenario que ya le resulta familiar: la Cataluña rural y los vínculos familiares que ya trabajara maravillosamente en Estiu 1993. En esta ocasión, Simón cuenta con una desventaja: ya no está la sorpresa de aquella primera película, está sola con su talento y eso la pone en el arduo desafío de empatarle a su opera prima o, en el mejor de los casos, expandir y profundizar aquel universo suyo, lleno de calidez y detalles.

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Balance 2022 – Andrés Brandariz

por Andrés Brandariz

El 2022 se va y con él, un glorioso año de presencialidad en las salas de cine. Día a día, el streaming parece estar a punto de fagocitarse lo que queda de las películas de presupuesto medio y los guiones originales pero, milagrosamente, las salas siguen llenándose de propuestas para permitirse soñar un poquito. Algunos autores parecen haber aprovechado prolongados hiatos para volver con fuerza (caso de Cronenberg con Crimes of the future), otros continúan refinándose para alcanzar nuevas cimas (pienso en Park Chan-wook y Decision to Leave). Me cuesta seguir el ritmo de las series y su proliferación casi infinita, de manera que he elegido centrarme en las películas: las diez que me gustaron mucho, las cinco que no me gustaron (me cuesta llegar a la decena, por esa manía que juzgo positiva de buscarle virtudes a todo) y la única que me pareció inflada, esa categoría un tanto boicotera que me reservo para algún éxito seguro que se llenará de dólares, indiferente a mi opinión.

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Balance 2022 – Federico Karstulovich

por Federico Karstulovich

Otra vez termina el año y todo se arremolina. Pero cuando no está Eastwood en su mejor condición (o cuando no estrena), se hace más fácil. A su vez el 2022 comenzó terminado, porque Paul Thomas Anderson puso el punto más alto del año en enero y desde entonces casi nada eclipsó su película. Con Licorice Pizza en estado de gracia todo se hizo más simple y luminoso. A su vez, el segundo puesto lo trae una de las últimas de este año, Decision to leave, una verdadera locura. Hace mucho que no duermo es una maravilla enormemente ignorada en el festival de Mar del Plata y merece toda la atención del mundo cuando encuentre su estreno (y sino también). Beavis y Butthead recorren el universovuelve a mostrar que los buenos ironistas (Mike Judge, gracias) escasean y son imprescindibles para que la realidad de la corrección política no nos aplaste.Jackass Por siempresigue exhibiendo un humor físico implacable y un amor persistente por los amigos. El peso del talentoes lo mejor que pudo haberle pasado a Nicolas Cage y a nosotros como seguidores de sus delirios.Crímenes del futuroes una rareza que siempre merece revisión y un lugar en el podio.Todo en todas partes al mismo tiempoes una clase de cine (incluyendo sus momentos infumables), quizás la mayor del año.Con su melancolía en estado puro, Aftersun demuestra que menos es más. Apollo 10 ½confirma que Linklater siempre es un director imprescindible, incluso en su versión más verborragia. Y el cierre de las mejores conLa edad media yClementinamuestra que el cine político argentino tiene herramientas que no estamos viendo (son las dos grandes películas sobre la pandemia y el encierro en Argentina durante el Covid-19). Sobre las peores, como siempre, no hablo, porque hablan solitas de sí mismas. Las películas sobre y subvaloradas nos recuerdan que los prejuicios hacen muy mal al cine. Al llegar a las series me di cuenta de la barbaridad de cosas que vi durante 2022. Y que a veces olvidamos que en ellas hay mucho más cine que en la mayor parte del cine que vemos a lo largo del año. Pero el problema es que hay gente que todavía elige un formato, como si fuera una competencia.

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Balance 2022 – Aníbal Perotti

por Aníbal Perotti

La emoción que me provocó volver a las salas de cine este año se diluyó rápidamente por la poca cantidad de estrenos interesantes. Cuando pienso en el top 10, el panorama es desolador. Por primera vez tengo que incluir en mi lista películas «del montón» para completar las diez mejores. Las secuelas del confinamiento están a la vista. El espectador parece haber mutado al ritmo impuesto por las corporaciones y los dictadores de turno. La aparente vuelta a la normalidad después de dos años marcados por el cierre de las salas, ente otras arbitrariedades, nos deja sin saber hacia dónde van el cine como industria y las salas como espacio esencial para ver las películas.

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Balance 2022 – David Obarrio

por David Obarrio

Los malditos nombres. Hay películas y hay nombres. Los nombres pueden ser rutilantes, oscuros, de vaga densidad. Hay nombres que llaman al desdén; nombres que imponen silencio, que suscitan respeto. Nombres que no dicen nada. Nombres que están en la boca de todos y nombres que dicen demasiado. Los nombres no deberían importar tanto en el cine, pero importan mucho en el mundo del cine. Aunque se simule lo contrario, son instancias diferentes, cada una con su moral a cuestas, su panoplia de argumentos y sus conductas. Los nombres constituyen la petulancia del mundo del cine, que prescribe una serie de referencias, de lugares comunes, de saberes aceptados y de asunciones compartidas. Me gusta pensar, todavía, que las películas no tienen dueño, que rumian su soledad con resignación, como si estuvieran rezando. Que una película responde en el campo de batalla, en el silencio de su incertidumbre; en la espera temblorosa al final de la cual se decide su suerte, como si la película hubiera ya dado todo de sí y su destino no le perteneciera. Pienso en las películas con nombres detrás, pero no sé si esos nombres no convendría olvidarlos un poco, todo lo que se pueda, porque son, tantas veces, como grilletes, una condena, una sentencia que cercena la libertad de la película para dirigirse al nombre: la película es obligada a comparecer ante el nombre, al que se rinde culto en el mundo del cine. El nombre, casi no hace falta decirlo, es el autor. La naturaleza en esencia libre de cualquier película se ve coartada por la veneración dispensada al autor, el nombre que rige lo que pensamos de la película. En cualquier caso, se piensa lo que el aura del autor haya sabido forjarse. Su figura, sus temas, sus procedimientos: todo está atado a la vanidad de ese nombre que obliga a leer de una forma determinada; a desmalezar, a desentrañar, a encontrar sus huellas en la película como si fueran un sello de beneplácito y complacencia. La evidencia que nos indica que la película, para bien o mal, responde a su autor, es suya, le obedece, no se puede escapar. Voy a la lista del año. Las películas que me gustan se inscriben, indudablemente, en una categoría autoral. Tienen un director; tienen nombres detrás, que serán más o menos lustrosos, pero ahí están. Sin embargo, en la melancolía de esa situación en la que las películas no pueden escaparse del todo de la tiranía de los nombres, encuentro cierta irreverencia, cierta insularidad, cierta incertidumbre a partir de las que, esas películas, respiran. Quizá sea una ilusión. Siempre pienso que las películas, al contrario que los nombres, no infligen decepciones, puesto que, en última instancia, responden solo ante sí mismas. Les falta la aureola que la historia o el gossip dispensan a los nombres, siempre orondos, aun cuando sean oscuros, quimeras ocultas de los acopiadores más entusiastas.

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Balance Cinemarama 2022 – Listas

Y bien, amigos, una vez más cerramos el año con los tradicionales balances. No hay nada acá que no sepan ya de memoria: cada redactor manda una lista con las mejores películas del año, las peores, la (ya clásica) sobrevalorada, y tiene licencia además para hablar de otras cosas (como series) o para inventar las categorías que le parezcan. Como ya saben, también, no creemos (no queremos) que las listas sean una palmarés oficial del sitio, tallado en piedra, sino una ocasión para la conversación y el ejercicio de la curiosidad (que no es otra cosa que enterarse de los gustos del prójimo). Por eso mismo es que el balance 2022, como van a ver, refuerza el espíritu lúdico de años anteriores: por ejemplo, ya no aclaramos qué tomamos en consideración para armar cada lista, si estrenos en sala, en plataformas, festivales u otros medios non sanctos. Desde hace tiempo vemos el cine que queremos y podemos, por todas las vías a nuestro alcance: ese desorden no hizo más que incrementarse durante las restricciones del Covid, cambió (seguramente para peor) nuestros hábitos cinematográficos, y en las listas que pueden leer ahora, que son también el resultado de esas transformaciones, conviven películas vistas en festivales, presentadas en plataformas de streaming y estrenos en salas (que son rápidamente absorbidos, a su vez, por el streaming). Hubo quienes armaron las suyas solamente con películas estrenadas en salas, otros que sumaron estrenos en plataformas, y quienes incorporaron lo visto en festivales. Por otra parte, verán que hay balances que ordenan numéricamente sus entradas y otros que no lo hacen. Pero basta de aclaraciones y constataciones obvias. Para usar la fórmula de siempre y no perder la costumbre: pasen y lean. Y recuerden que en los días que siguen vamos a publicar nuestros textos (ya no listas) sobre el 2022. Gracias por acompañarnos otro año: chin-chin.

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Walk Up

Año: 2022
Origen: Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kwon Haehyo, Lee Hyeyoung y Song Sunmi
Música: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Duración: 97 minutos

por Aníbal Perotti

Con cada nueva película de Hong tenemos la sensación de que un viejo amigo nos invita a su mesa y nos ofrece un trago. Si bien el placer de compartir las conversaciones y saborear cada pausa permanece irresistible, Walk up radicaliza su cine de un modo inquietante. Con una economía de medios cada vez más extrema, planos secuencia extendidos y largos diálogos entre copas, el cineasta nos sumerge en un edificio de tres pisos que concentra toda la acción de la película. El grado de depuración formal, con planos fijos sin movimientos de cámara ni los zooms característicos de otra época, se refuerza con una marcada coherencia espacial. La puesta en escena aprovecha la configuración vertical de la casa: los personajes pueden desaparecer como si subieran al cielo o descendieran hacia un escondite recóndito. En la superficie todo parece claro: los lugares están bien compartimentados y las acciones son reconocibles. Pero enseguida todo se vuelve borroso, poniendo en duda la sucesión de las escenas o su tiempo narrativo, para esbozar una arquitectura del inconstante corazón humano. La película ofrece por momentos una cronología lineal y a la vez la impresión de que varios presentes coexisten al mismo tiempo de un modo sugerente y misterioso.

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La escuela del bosque

Año: 2020
Origen: Argentina
Dirección: Gonzalo Castro
Guion: Guillermina Pico, Gonzalo Castro
Intérpretes: Guillermina Pico, Isabel García Ponzoda, Alejandro García Schnetzer, Macarena Fernández
Fotografía: Gonzalo Castro
Duración: 88 minutos

por David Obarrio

La intemperie. Gonzalo Castro es un cineasta singular. Esto quiere decir que sus películas bosquejan formas posibles del cine. A veces excéntricas, otras engañosamente sencillas, un deseo infinito parece recorrer su filmografía: la vocación por un régimen retórico que venga a cuestionar el cine con su bagaje de historia, sus secuelas de fetichismo a cuestas –la cinefilia como padecimiento que se vive con un orgullo a veces pueril-, sus inferencias obligadas, la melancolía de un arte que no puede sino comparecer dócilmente ante su vitrina de ídolos, dioses cansados de tanta franela, que reposan con la indiferencia de bibelots, figurantes de una arcadia de la que son las primeras víctimas. Castro hace películas, entonces, que no se parecen a otras películas; ni siquiera a las que se pasean orondas por festivales. Es decir, las películas “raras”, aquellas que no buscan público porque ya tienen su tasa de efectividad asegurada en el conglomerado de supuestos, sobreentendidos y llaves maestras de la circulación global del cine. En vez de ello, el director ensaya otra especie de autonomía, una que llega al fondo y asume todas las reticencias y la disconformidad adoptando las formas de un cine que se postula como el desafuero de lo que llamamos, acaso con demasiada soltura, cine. Películas que parecen venir de afuera del cine, pero no para abrigarse con la nobleza petulante de otras artes más prestigiosas, sino para incorporar, con una fruición distraída, casi humilde, otras voces y otros ámbitos en el territorio del cine. La literatura, la danza, las artes plásticas, las curiosidades culinarias. De esas cosas están hechas muchas de las películas de Castro, que parece comportarse como un dandy del cine, a veces ajeno, a veces divertido; siempre con una dedicación cuyo secreto apasionamiento se disimula en la calma fría con que sus personajes se dedican a oficios variados, modos de la reserva y la consciencia con la que habitan los planos de sus películas. Inmunes a los venenos del exhibicionismo o la histeria, se conducen como si sus vidas fueran eventos para la película, pero sin el cálculo con el que cada ademán se dispone para ser observado, rifado al escrutinio o al providencial diagnóstico público. ¿Qué son estas películas? ¿Quiénes son estos tipos o tipas, con nombre propio o sin él, que salen en ellas? ¿Qué es este desparpajo de cine que arroja su insuficiencia dramática, su raquitismo argumental sobre el espectador con tanta ligereza?

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Mar del Plata 2022 – Le pupille

Le pupille (Italia – 2022)
Autoras y Autores

Dirección: Alice Rohrwacher
Guion: Alice Rohrwacher
Intérpretes: Alba Rohrwacher, Melissa Falasconi, Greta Zuccheri Montanari, Valeria Bruni Tedesch

por Andrés Brandariz

Le pupille se proyectó en el Festival junto con otros tres cortometrajes: El sembrador de estrellas, de Lois Patiño, Camarera de piso, de Lucrecia Martel, y Un sueño como de colores, de Valeria Sarmiento; programación -seguramente no haga falta aclararlo- convocante y generosa. Es en estas piezas breves -la de Rohrwacher, técnicamente, no sería un corto sino un medio- donde considero que podemos aproximarnos de manera más auténtica, destilada, al proceso creativo de cada realizador. El cortometraje -formato que, por lo general, carece de valor comercial- se convierte en una ventana a la libertad, un espacio de experimentación que nos permite proyectarnos al futuro de una obra.

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Mar del Plata 2022 – Pinocho de Guillermo del Toro

Pinocho de Guillermo del Toro (Guillermo del Toro’s PinocchioEstados Unidos, Francia, México – 2022)
Mar de Chicos y Chicas

Dirección: Guillermo del Toro
Guion: Guillermo del Toro, Patrick McHale
Intérpretes: Gregory Mann, Ewan McGregor, David Bradley, Tilda Swinton, Finn Wolfhard

por Andrés Brandariz

Adaptar la novela de Carlo Collodi ha sido, aparentemente, un sueño largamente acariciado por Guillermo del Toro. Recién ahora -consagración en Hollywood y contrato con Netflix mediante- ha podido concretarlo y, honestamente, la primera pregunta que me hago es por qué no se tomó más tiempo. Quizás porque se trata de una película diseñada para que pueda acceder a ella un público infantil, o porque las ansiedades del Hollywood actual han conseguido hacer mella en la sensibilidad del director mexicano, pero mi sensación después de abandonar la sala fue de cierto agobio, una sobrecarga de estímulos que la película apila sin descanso. Que no se entienda mal, son buenos estímulos: la animación, como siempre, se vuelve un marco sin límites para que la desbordante imaginación de un director con entusiasmo despliegue sus talentos; el diseño de personajes y decorados es bellísimo, haciendo gala en simultáneo de un acabado elaborado y de cierta bienvenida rusticidad.

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Mar del Plata 2022 – SINFON14

SINFON14 (Argentina – 2022)
Autoras y Autores

Dirección: Raúl Perrone
Guion: Raúl Perrone, Damián Zeballos, Fernando Sdrigotti
Intérpretes: Edgardo Cozarinsky, Jean Pierre Noher, Deborah Fideleff

por Diego Maté

No hay banda. Se dice de algunos directores de cine que son indulgentes, como si la indulgencia, el darse gustos, el permitirse cosas, fuera algo malo. Pero Welles, Favio o Fassbinder fueron directores indulgentes. Y Perrone es un director indulgente, uno que se da todos los gustos. Hace tiempo que Perrone abandonó el realismo de sus comienzos y se dedicó a filmar mirando ya no las cosas sino el cine: cada nueva película suya conversa con algún momento, estilo, género o técnica del cine, sea el período mudo, la Nouvelle Vague, la filmografía de Pedro Costa o las películas japonesas de posguerra. Como alguien mator de edad que se hartó de los cuidados, Perrone no quiere hacer las dietas que impone el realismo, prefiere los banquetes cargados, barrocos, los festines de las cita, la apropiación, la revisión; o sea, darse gustos. Y, como le pasa a cualquier director que filma mucho, la filmografía de Perrone crece a una velocidad impresionante pero con pulso desigual. SINFON14 es uno de los tropiezos a los que puede conducir esa carrera enloquecida.

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Mar del Plata 2022 – Sublime

Sublime (Argentina – 2022)
Galas

Dirección: Mariano Biasin
Guion: Mariano Biasin
Intérpretes: Martín Miller, Teo Inama Chiabrando, Azul Mazzeo

por Andrés Brandariz

Las películas dedicadas a la adolescencia son un territorio fértil para que aflore la especificidad, aquello que hace a una vivencia tan distinta de la otra. Sin embargo, en el último tiempo vengo observando una sobrecarga de este tipo de películas -cauterizadas bajo el rótulo anglosajón coming of age– que logran convertir un tipo de relato tan personal en un estándar. Sublime consigue algo dificil: no se parece a ninguna.

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Mar del Plata 2022 – Errante. La conquista del hogar

Errante. La conquista del hogar (Argentina – 2022)
Competencia Latinoamericana

Dirección: Adriana Lestido
Guion: Adriana Lestido

por Diego Maté

Errante es un documental filmado por una fotógrafa que viajó sola al círculo polar artíco y se dedicó a registrar el paisaje del lugar. La premisa de la primera película de Adriana Lestido parece querer apropiarse de la carga afectiva del motivo del wanderer que el Romanticismo, en especial el alemán, fijó como un arquetipo cultural. Lestido se interna sin equipo ni acompañantes en un territorio hostil donde la existencia se cifra en distintas estrategias de supervivencia y busca allí imágenes que recuerdan a su oficio: los planos, siempre fijos, encapsulan fragmentos del entorno pero sin renunciar a capturar las distintas formas de movimiento propias del lugar. Errante puede ser vista, entonces, como el descubrimiento alucinado que una fotógrafa hace del dinamismo del cine. 

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Mar del Plata 2022 – El método Tangalanga

El método Tangalanga (Argentina, 2022)
Galas

Dirección: Mateo Bendesky
Guion: Sergio Dubcobsky, Nicolás Schujman, Mateo Bendesky
Intérpretes: Martín Piroyansky, Julieta Zylberberg, Alan Sabbagh, Rafael Ferro, Luis Machín

por Andrés Brandariz

A pesar de que está construida alrededor de uno de los más ilustres puteadores que haya tenido este país, la impresión que prevalece una vez terminada El método Tangalanga es la de una película cándida, tierna, con una ingenuidad nunca impostada, que aborda libremente al personaje y se deslinda de los grilletes de la biopic convencional.

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Mar del Plata 2022 – El rostro de la medusa

El rostro de la medusa (Argentina – 2022)
Competencia Internacional

Dirección: Melisa Liebenthal
Guion: Agustín Godoy, Melisa Liebenthal
Intérpretes: Rocío Stellado, Vladimir Durán, Federico Sack, Irene Bosch

por Andrés Brandariz

El escenario de un festival de cine es especialmente propicio para encontrarse, entre tanta oferta, con el mejor tipo de propuesta: aquella que consigue ablandar las rigideces entre los géneros, los formatos y los modos de representación para ser, finalmente, su propia cosa. Es lo que logra Melisa Liebenthal en su segundo largometraje, una película que es mayormente una ficción con actores, pero que incorpora archivo documental y animación para construir un relato absurdo, muy gracioso, livianamente triste y, por momentos, bastante inquietante.

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El silencio es un cuerpo que cae – MUBI

Año: 2017
Origen: Argentina
Dirección: Agustina Comedi
Guion: Agustina Comedi
Música: Virus
Fotografía: Agustina Comedi, Ezequiel Salinas, Benjamín Ellenberger
Duración: 72 minutos

por Diego Maté

La mirada de los otros. El silencio es un cuerpo que cae se presenta como el retrato de un hombre elusivo. La voz en off de la directora trata de reconstruir la figura del padre con los materiales que tiene a mano: filmaciones hechas por él, entrevistas a familiares y amigos, fotos viejas, recuerdos de la infancia. Jaime muere en 1999, pero el motor de la película no es tanto la pérdida como un misterio: la familia recuerda al fallecido y entre ellos flota algo no dicho, alguna información que todos esquivan con denuedo. La película revela enseguida el dato y reconfigura la intriga: Jaime era gay, pero un día conoció a Monona, se casó y tuvo a Agustina. El misterio cambia de lugar: ¿qué fue lo que lo empujó a un cambio tan grande? Luego: ¿cómo sobrellevó su nuevo rol de esposo y padre, lejos de los amigos y de la vida nocturna del pasado?

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Mar del Plata 2022 – Tenéis que venir a verla

Tenéis que venir a verla (España – 2022)
Autoras y Autores

Dirección: Jonás Trueba
Guion: Jonás Trueba
Intérpretes: Itsaso Arana, Vito Sanz, Irene Escolar, Francesco Carril

por Andrés Brandariz

El cine de Jonás Trueba siempre está al borde de resultar demasiado burgués. Las explícitas referencias y citas poéticas y filosóficas, los intereses inequívocamente esnob de sus personajes, el recordatorio frecuente de que estamos viendo, efectivamente, una película, lo colocan al borde de la autoparodia, algo que el realizador abraza con plena autoconciencia, de manera festiva y celebratoria.

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Mar del Plata 2022 – A Woman Escapes

A Woman Escapes (Canadá – 2022)
Competencia Estados Alterados

Dirección: Sofia Bohdanowicz, Burak Çevik, Blake Williams
Guion: Blake Williams, Sofia Bohdanowicz, Burak Çevik
Intérpretes: Deragh Campbell, Mustafa Akkaya, Mehmet Ayisiqi, Burak Çevik

por David Obarrio

Milagro a la hora del crepúsculo. Una de las películas más elusivas de Sofia Bohdanowicz, A Woman Escapes es también la más experimental y, probablemente, una de las más hermosas de las que integran la filmografía de esta directora tan poco amiga de los golpes de efecto, de la explicitud de los temas o de la sobrecarga de signos para mayor comodidad del espectador. Especialista en lo que se podría llamar piezas de un aliento casi sinfónico, pequeños relatos con una ambición arbórea, que parecen expandirse a partir de detalles mínimos, de capas y contrapuntos milimetrados, su cine parece atravesado por una sensación de pérdida y ensimismamiento, de observación y reflexión acerca de la naturaleza verdadera de lo que nos rodea; del pasado como tesoro y del combate cuerpo a cuerpo contra una realidad amnésica.

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Mar del Plata 2022 – Hace mucho que no duermo

Hace mucho que no duermo (Argentina, Colombia – 2022)
Competencia Argentina

Dirección: Agustín Godoy
Guion: Agustín Godoy
Intérpretes:  Agustín Gagliardi, Agustina Rudi, Ailín Salas, Marcelo Pozzi, Mateo Pérez

por Diego Maté

Buenos Aires viceversa. Una mochila, un montón de corredores y una aparente conspiración. Con esos elementos mínimos, que sitúan la película rápidamente en las coordenadas de lo fantástico, Hace mucho que no duermo empieza una maratón que entiende el cine como una máquina productora de intrigas que se alimenta tanto de movimiento como de discreción, como si fuera un arte del decir menos o del ocultamiento. Entonces: un cine a contracorriente, salido seguramente de otro tiempo y lugar. Justamente, de eso trata la película: la premisa narrativa sirve como excusa para lanzarse a recorrer las calles y los lugares emblemáticos de la ciudad, pero no para repetir un pintorequismo local gastado ni aludir a una porteñidad presunta, sino para reinventarlos, regurgitarlos frente a los ojos del espectador y devolverlos transformados, tocados por un aire de enrarecimiento que devela otra ciudad, una secreta, que tal vez solo exista en la ficción o, mejor, que quizas sea la Buenos Aires verdadera, ciudad sepultada por un olvido colectivo (posiblemente por alguna otra conspiración que debería ser el tema de películas futuras).

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Que ta joie demeure (Joy of Man’s Desiring) – MUBI

BAFICI 2014 - Que ta joie demeure - c i n e m a r a m a

Año: 2014
Origen: Canadá
Dirección: Denis Côté
Guión: Denis Côté
Intérpretes: Guillaume Tremblay, Émilie Sigouin, Hamidou Savadogo, Ted Pluviose
Fotografía: Jessica Lee Gagné
Duración: 70 minutos

por Diego Maté

Donde una película cualquiera alcanzaría a ver apenas alienación y terreno fértil para una denuncia altisonante, Que ta joie demeure encuentra maravilla y asombro. Denis Côté va a fábricas a observar la simbiosis entre hombre y máquina y halla un mundo de formas, colores y ritmos que cautivan el ojo y conforman una suerte de relato de un presente industrial. Pero el director se detiene en cada mecanismo solo el tiempo necesario: Que ta Joie demeure no es un documental sobre los modos de producción sino un intento de capturar una poesía hecha de engranajes, metales y velocidades cambiantes. De ahí que la película no se esfuerce por explicar los procesos y técnicas que muestra: todo lo que hay que saber está ahí, en la imagen, listo para ser visto y escuchado, no necesitamos comprender nada más. En su recorrido, la película se fija tanto en las máquinas como en las personas que las operan: los gestos automáticos y repetitivos de algunos empleados se alternan con la toma de decisiones y los momentos de calma; al igual que los distintos artefactos registradis por la cámara, los obreros también poseen tics y ritmos propios (que muchas veces varían según la máquina que controlen, como si ellos mismos fueran una especie de metonimia de los aparatos). De a poco, la película se abre cada vez más y comienza a observar a los trabajadores en mameluco durante sus momentos de descanso o en el almuerzo: el ruido de mucha gente reunida en un mismo comedor es contrapuesto con un diálogo en el que un obrero le cuenta a otro que le gusta su trabajo, que está contento con la máquina que tiene a su cargo desde hace año, mientras enfatiza el acople que logran, en términos de sincronicidad, uno y otro, como si fueran una unidad. La figura humana se constituye cada vez más en el centro sobre el que gravita todo lo otro: así, es frecuente ver a operarios hablando de cualquier cosa (uno incluso parece hacerle un chascarrillo a otro -un marroquí- acerca de un posible romance entre el príncipe Carlos y Hassan, el joven rey de Marruecos).

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Mar del Plata 2022 – La reina desnuda

La reina desnuda (Argentina – 2022)
Autoras y Autores

Dirección: José Celestino Campusano
Guion: José Celestino Campusano
Intérpretes: Natalia Page, Dolores Moriondo, Alek Molnar, Joaquín Colombo

por David Obarrio

Una chica cualquiera. Una película de José Celestino Campusano no es cualquier cosa, del mismo modo que no lo son las películas cuya singularidad y naturaleza insumisa las vuelve refractarias al sistema del cine imperante en festivales, en el que sobre cada imagen muchas veces parece velar un fantasma de corrección general, burocracia de la forma y restricción del espíritu verdadero del cine. La reina desnuda es una de esas películas: se trata de una película de Campusano, por lo tanto, hay que verla como una pieza en esa obstinada cadena de momentos impenitentes en los que el cine parece surgir de nuevo, con la ferocidad de una criatura exótica, para que miremos todo con otros ojos, para que la pantalla sea un lienzo en el que bailan satanes persistentes y ángeles prosaicos, todos en la misma pista entreverados, con la gracia y la desvergüenza de un arte que no ha sido concebido para dejarnos tranquilos sino para que temblemos un poco; para sumergirnos en caminos brumosos que son también los nuestros.

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Mar del Plata 2022 – Alcarràs 

Alcarràs (España, Italia – 2022)
Nuevas Autoras – Nuevos Autores

Dirección: Carla Simón
Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró

por Andrés Brandariz

En su segundo largometraje como realizadora, Carla Simón regresa a un escenario que ya le resulta familiar: la Cataluña rural y los vínculos familiares que ya trabajara maravillosamente en Estiu 1993. En esta ocasión, Simón cuenta con una desventaja: ya no está la sorpresa de aquella primera película, está sola con su talento y eso la pone en el arduo desafío de empatarle a su opera prima o, en el mejor de los casos, expandir y profundizar aquel universo suyo, lleno de calidez y detalles.

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